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O Sal da Terra (2014)

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Se uma boa redação precisa de um excelente título, um bom filme também começa a ter sua qualidade apreciada já no título. Quando o título de um filme resume com excepcional habilidade as suas ideias centrais é um belo indício que, ao menos, ele tem coesão. E esta qualidade é uma das predominantes em O Sal da Terra, documentário de 2014 que apresenta a vida do fotógrafo brasileiro Sebastião Salgado através da sua obra.

Dirigido e produzido pelo cineasta alemão Wim Wenders em parceria com Juliano Salgado (filho de Sebastião), O Sal da Terra é um documentário (acertadamente indicado ao Oscar) que une as várias fases da carreira do famigerado protagonista através desta simples mas brilhante constatação: o que faz diferença para o mundo (o sal ou “tempero” dele) são – sempre foram e serão – as pessoas. Essa constatação, embora de uma obviedade gigante, através da utilização das fotos, resultado uma vida de expedições pela América Latina, Leste Europeu e África, entre outros, culmina na visualização das experiências do fotógrafo e vai além do que meros relatos escritos sobre a natureza humana nos 4 cantos da terra poderiam produzir.

Enquanto você lê este texto é perfeitamente provável que no planeta, por exemplo, existem pessoas experimentando suas maiores felicidades ou tristezas da vida, desempenhando rotinas ou hábitos que nunca vimos ou soubemos, ou com preocupações que para você (ou eu) não fazem sentido. Por mais polarizados e distintos que sejam nossos hábitos e locais por onde passamos, a vida ordinariamente nos limita a realidade que nos cerca (afinal, recursos como o tempo são finitos e a imprevisibilidade da raça humana, não), e com isso acabamos tendo a noção e percepção mais viva somente daquilo que faz parte da nossa realidade. São experiências como as de Salgado em O Sal da Terra, documentadas através da fotografia preto-e-branco, imparciais e impessoais, que servem de combustível para mostrar que o mundo sempre é maior do que o imaginávamos no instante anterior (apenas isto, sem o mérito de ser melhor ou pior, e toda a subjetividade carregada neste tipo de análise) .

(Melhor e mais prudente do que falar especificamente das obras de Sebastião Salgado é observá-las e, por isso, algumas estão na sequência abaixo neste post).

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Os melhores filmes de 2016 – A lista e o ano

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1 - Capitão Fantástico
1 – Capitão Fantástico
2 - The Fits
2 – The Fits
3 - Rua Cloverfield, 10
3 – Rua Cloverfield, 10
4 - Até o Último Homem
4 – Até o Último Homem
5 - A Criada
5 – A Criada

Nesta temporada 2016 do cinema, que formalmente se encerra no domingo com a cerimônia do Oscar, é inegável que o mundo cinematográfico mudou e evoluiu. Não somente – mas inclusive – Hollywood, chegou a um estágio da produção de vários BONS filmes. Filmes com uma história sem grandes problemas, atuações dentro da média e apelos visuais e emocionais com algumas boas histórias – muitas baseadas em fatos reais. Se isso tudo soa bem aparentemente, após alguns exemplares de obras dessa magnitude percebemos que essa “fórmula” do filme bem acabado enrolado em papel de presente é cansativa. O filme termina e em poucos minutos ou no dia seguinte, ele se perdeu entre tantos outros num lugar comum.

Há muito tempo eu não via uma lista de indicados ao Oscar de Melhor Filme sem apontar um – ou mais filmes – como “ruins” numa análise mais sucinta e pouco recomendada. Embora eu tenha algumas restrições com o indicado Estrelas Além do Tempo deste ano, para mim é inegável que os 9 filmes indicados possuem um refinamento compatível com um “padrão mínimo” de qualidade. Mas, se quem ganha com isso são (ou deveria ser) os estúdios e cinemas com uma hipotética maior facilidade de comercializar os filmes, tem alguém que perde? Na minha opinião, sim, mas depende de como você se enquadra no quesito APRECIADOR-DE-FILMES. A significância do filme para cada pessoa é muito subjetiva (arte, não é mesmo?) e varia conforme inúmeros fatores, mas as probabilidades que um filme limitado em entregar uma fórmula pronta/pouco ousada e bem produzida oferece tendem a ser baixas.

Por isso tudo, a minha lista dos favoritos deste ano destoa na sua ordenação de muitos dos prêmios concedidos, pois embora alguns filmes destes ranqueados por mim apresentem alguns pontuais defeitos, como o momento “quase-vergonha-alheia” de Capitão Fantástico com “Sweet Child’o Mine” ou o moralismo de Mel Gibson de Até o Último Homem, todos esses e a maior parte dos meus favoritos fazem parte daquele grupo de filmes que te deixam a pensar por um bom tempo após os créditos finais, seja por um desconforto com o choque da temática (Moonlight ou A Criada, por exemplo) e da ambientação (The Fits) ou pela complexidade e articulação das ideias (O.J.: Made in America ou Capitão Fantástico) ou ainda por atuações magníficas, como Isabelle Hupert em Elle, atingindo o nível  Daniel Day Lewis de atuação.

Ou, depois disso tudo você ainda considera que o favorito ao Oscar, La La Land: Cantando Estações (um bom filme, diga-se de passagem) terá o mesmo impacto/significado em 5 ou 10 anos? Creio que não.

 

Dito isso, eis os meus preferidos…

  • Melhor Filme: Capitão Fantástico (Captain Fantastic);
  • Melhor Diretor: Anna Rose Holmer por The Fits (The Fits);
  • Melhor Ator: Casey Affleck em Manchester à Beira Mar (Manchester By The Sea);
  • Melhor Atriz: Isabelle Hupert em Elle* – a melhor coisa no ano no quesito atuação!
  • Melhor Ator Coadjuvante: John Goodman em Rua Cloverfield, 10 (10 Cloverfield Lane);
  • Melhor Atriz Coadjuvante: Lily Gladstone em Certas Mulheres (Certain Women)* – Viola Davis é uma excelente atriz, mas não é coadjuvante em Um Limite Entre Nós (Fences);
  • Melhor Filme de Animação: Moana;
  • Melhor documentário: O.J.: Made in America;
  • Melhor Fotografia: Docinho Americano (American Honey);
  • Melhor Canção: City of Stars, La La Land: Cantando Estações (La La Land);
  • Filme(s) mais superestimado(s): Zootopia (Zootopia), A Chegada (Arrival);
  • Piores filmes do ano: Esquadrão Suicida (Suicide Squad), Horizonte Profundo (Deepwater Horizon);

 

…e o Top15 dos filmes de 2016:

15 – Animais Noturnos (Nocturnal Animals) de Tom Ford

14 – Eu, Daniel Blake (I, Daniel Blake) de Ken Loach

13 – A 13ª Emenda (13th) de Ava DuVernay

12 – Divinas (Divines) de Houda Benyamina

11 – Aquarius (Aquarius) de Kleber Mendonça Filho

10 – Moonlight: Sob a Luz do Luar (Moonlight) de Barry Jenkins

9 – Manchester à Beira Mar (Manchester By The Sea) de Kenneth Lonergan

8 – Toni Erdmann (Toni Erdmann) de Maren Ade

7 – A Bruxa (The Witch) de Robert Eggers

6 – O.J.: Made in America (O.J.: Made in America) de Ezra Edelman

5 – A Criada (The Handmaiden) de Park Chan-wook

4 – Até o Último Homem (Hacksaw Ridge) de Mel Gibson

3 – Rua Cloverfield, 10 (10 Cloverfiel Lane) de Dan Trachtenberg

2 – The Fits (The Fits) de Anna Rose Holmer

1 – Capitão Fantástico (Captain Fantastic) de Matt Ross

 

 

Lion: Uma jornada para casa (2016)

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É inútil discutir Lion: Uma Jornada Para Casa (2016, Lion) como um filme ou explorar seus aspectos de produção, direção, roteiro e atuações. É uma obra que trabalha na mediocridade nesses quesitos, isto é, nem se destaca nem fica devendo, parecendo um belo exemplar de um telefilme (filme feito para a TV) da HBO.

O que realmente importa neste filme é a sua ligação com o mundo real. Ao acreditarmos que se trata de uma história real (eu não pesquisei o quanto é realidade e o quanto foi “ficcionalizado” pelo diretor Garth Davis), de que o menino indiano que se perdeu aos 6 anos e 25 anos depois, morando num país diferente e com cultura totalmente distinta (Austrália) consegue refazer o caminho de casa para encontrar a mãe biológica precisamos parar de pensar ou criticar muito do filme. Esta capacidade extraordinária de o mundo produzir inúmeras histórias fantásticas diariamente é uma obra de arte tão fantástica que supera quaisquer filmes. Enfim, Lion é um filme que deve ser visto como uma ode não ao cinema, mas a imprevisibilidade que o mundo – na verdade, estar vivo – reserva a quem dele fez ou faz parte.

Um limite entre nós (Fences, 2016) – O grande teatro de Denzel Washington

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Ao contrário do que o título deste post pode sugerir, Um Limite Entre Nós (título original Fences) não é um filme de baixa qualidade. A caracterização desta obra me lembra outras adaptações cinematográficas de roteiros focados nos diálogos acima de tudo, tais como a obra prima de 2008 intitulada Dúvida (Doubt). Neste filme de 2016, e concorrente a muitas estatuetas do Oscar – incluindo a de melhor filme, Denzel Washington além de ser protagonista é o diretor e mente criativa da obra. Interpretando um trabalhador da companhia do lixo nos EUA pós Segunda Guerra Mundial ele faz par com a personagem de Viola Davis, sua esposa.

Em menos de 5 minutos de filme temos a certeza que a atuação de Denzel merece, no mínimo, uma indicação a melhor ator. Com naturalidade e desenvoltura de um ator extra classe ele mostra carisma a amabilidade invejáveis, que fazem o espectador querer conhecer melhor Troy Maxson, seu personagem. Aí a trajetória do filme começa a se justificar de uma forma muito inteligente. Ao longo do filme descobrimos que por trás do Denzel Washington das primeiras cenas temos um homem abandonado pela mãe e com pai abusivo, amargurado por não ter mais êxito profissional, com nostalgia da época em que era um destaque do baseball e lutando contra sua vida boêmia e infiel no matrimônio. Conforme essa caracterização vai se delineando o outro ponto forte do filme, Viola Davis, começa a aparecer e tal qual seu par em cena, a clamar por atenção. Inicialmente de aparência submissa, vemos que a força de vontade para permanecer naquele casamento, amando ao seu marido é gigante, assim como a atuação.

Enquanto Denzel entrega ao público uma de suas melhores interpretações da sua carreira, como diretor ele prefere delinear bem os limites da cenografia, as posições de cada ator no set e deixar que as atuações conduzam o resto. Praticamente o filme inteiro se concentra entre o cenário da sala de estar, cozinha e área de fundos da residência do casal. Por isso e pelos longos, mas belíssimos monólogos, temos a estrutura teatral da obra, digna de uma grande peça. Mas não está na técnica de cenografia ou atuações o mérito do filme. Elas são parte de um propósito maior e relativamente bem sucedido: humanizar a complexidade das ações do ser humano. O comportamento moral idealizado não existe e, atrás de cada sorriso ou traição sempre há uma história.

Moonlight: Sob a Luz do Luar (2016) – e da simplicidade e beleza

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Um review de Moonlight – Sob a Luz do Luar não precisa ser extenso. Não há de ser escrita uma tese acadêmica para falar do filme. Aqui a simplicidade do filme deve se traduzir em facilidade na análise. Barry Jenkins, o diretor, desenvolve uma obra sobre o protagonista Chiron, que abrange três fases bem distintas e explicitadas na tela do mesmo modo como Quentin Tarantino, por exemplo, costuma marcar seus filmes em capítulos: 1.a infância de Chiron, 2.sua adolescência e 3.a fase adulta, próximo aos 30 anos. Ambientado em Miami, Flórida, com enfoque às regiões/vizinhanças habitadas majoritariamente por negros vemos um Chiron desde pequeno perseguido pelos colegas de escola por não se ajustar ao mesmo comportamento deles. Quieto, tímido e gay é o alvo claro dos preconceitos dos demais meninos. Desamparado pela mãe, que apenas dá valor as drogas que consome, encontra proteção no casal vivido por Mahershala Ali e Janelle Monáe, que suprem a necessidade paterna e materna.

Mas conforme Chiron vai crescendo, assim ocorre com seus “amigos”, e o preconceito se intensifica assim como a sua timidez e introversão. O clímax dessa história são as agressões físicas sofridas por Chiron e, então, a sua vingança violenta. Depois disso, vemos ele já adulto em uma cidade diferente, com uma postura e aparência completamente inesperadas: traficando drogas, com hábitos que remetem ao personagem de Mahershala Ali visto no início do filme. Forjado no sentimento de exclusão e agressão da sociedade ele agora é superficialmente alguém que age com a mesma violência da qual sofreu, nem que para isso precise esconder quem de fato gostaria de ser. Cabe as cenas finais do filme, que oportuniza o encontro dele com seu amigo de infância e primeiro homem que beijou na vida, revelar que psicologicamente continua sendo mesmo Chiron criança e adolescente, com inúmeras inseguranças mas com a certeza de que seria melhor ostentar algo que não é do que voltar aos tempos sombrios vistos no início do filme.

Percebemos que a história tem uma simplicidade invejável e que nos fascina sem precisar explorar temas como a vinda de extraterrestres a Terra ou uma jornada heroica na 2ª Guerra Mundial ou ainda coreografias que param uma rodovia inteira em Los Angeles – apenas para citar algumas tramas de outros concorrentes ao Oscar neste ano. Por que isso ocorre? Cabe aí o mérito a Jenkins, que recorre a simplicidade na direção aliada a refinamento nas tomadas calmas, bem sincronizadas com a trilha e edição. Nada é apressado nas cenas filmadas e agilidade fica por conta da montagem que faz o filme fluir sem deixar ninguém com sono. Ainda sobre o modo como Jenkins escolhe rodar seu filme, nas cenas da infância de Chiron (em especial na qual ele aprende a nadar – imagem deste post) temos uma beleza única e alguns paralelos com a direção de Terrence Malick em A Árvore da Vida.

Ponto fundamental para análise é o tema que une os capítulos do filme: o preconceito de gênero e, sob esse aspecto, Jenkins opta acertadamente em trata-lo de forma aberta, direta mas sem grandes sensacionalismos, como em Estrelas Além do Tempo (Hidden Figures), por exemplo. No entanto, ao lembrar de Sobre Meninos e Lobos (Mystic River) chego a conclusão de que prefiro o modo de montagem e direção do filme de Clint Eastwood de 2003, que desenvolve com mais tempo de tela todas as implicações que um trauma na infância gera no futuro. E é por isso, que na minha opinião, Moonlight é um grande filme, que conquista pelo modo direto mas belo de contar uma história comum (“comum” no sentido que pode se encaixar em diversos locais do mundo e épocas) mas que na preocupação de desenvolver uma história de tantos acontecimentos e de arco dramático tão longo deixa de oferecer pistas e subsídios para que o espectador formule interpretações e possa se envolver de uma forma mais profunda que perdure mesmo após os créditos finais.

Até o Último Homem (Hacksaw Ridge, 2016)

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Princípios básicos para uma crítica sobre Até o Último Homem: a análise é sobre o filme, em seus 139 minutos e nunca diretamente sobre as declarações, polêmicas e personalidade de Mel Gibson, seu diretor. Parece óbvio, mas até mesmo grandes veículos de comunicação fazem questão de falar de tudo menos sobre cinema.

Dito isso, Até o Último Homem (Hacksaw Ridge) é uma das melhores coisas nessa chamada “Corrida do Ouro”, expressão em referência aos prêmios da temporada (Oscar, PGA, DGA, associações de críticos, entre outras). O drama protagonizado por Andrew Garfield em, enfim, uma grande atuação desde A Rede Social, é bem dividido em 3 atos principais: a infância e adolescência do jovem Desmond Doss na Virginia da década de 30, o alistamento militar e o treinamento de guerra em solo norte-americano, e as batalhas da Segunda Guerra Mundial no Japão, mais especificamente na Serra de Hacksaw, que dá título ao filme. Esta estrutura muito bem montada e ritmada por Gibson e seus montadores me lembrou, com grande alegria, de Nascido para Matar (Full Metal Jacket) o clássico de guerra de Kubrik.

O mote do filme, que une suas 3 partes é a convicção pacifista de Desmond Doss, que recusa praticar a violência. Então, já no primeiro ato do filme descobrimos as motivações para esse comportamento moral do personagem vivido por Garfield. Mas, além disso, merece  destaque o romance do protagonista com a personagem de Teresa Palmer, que em poucos minutos de diálogos traz encantamento maior que a trama romântica inteira de La La Land – Cantando Estações.

O grande conflito do filme começa com a recusa de Desmond em portar/manusear qualquer arma em frente a todo batalhão de infantaria. O ambiente fortemente hierárquico do Exército e extremamente nervoso após o ataque a Pearl Harbor pressiona e pune Desmond a ponto de quase o fazer desistir da sua vontade de ir à guerra para ajudar, nunca para matar. Nesse arco dramático vemos dois atores de carreiras completamente distintas com atuações muito boas: Vince Vaughn aproveitando sua habilidade em comédia para interpretar o sargento responsável pela turma de recrutas e o retorno de Hugo Weaving a um papel de destaque.

Vencidas as barreiras de crenças e fé, somos transportados ao Japão e é seguro afirmar que já nos primeiros momentos de batalha temos as melhores cenas de guerra desde O Resgate do Soldado Ryan. As tomadas são ágeis, a edição de som e mixagem são impecáveis e Mel Gibson não tem receio em mostrar cenas mais sórdidas que uma guerra causa sobre as almas, vidas e corpos (em geral, dilacerados). Assim, o filme que começa calmo sob a tranquilidade de um dia de verão na Virginia vai crescendo em ambição com uma força carismática de Andrew Garfield e firmeza na direção de Mel Gibson até seus momentos finais, o êxtase da destruição, sombria e nefasta, mas real.

Até o Último Homem é apontado por muitos como uma obra de demagogia e acusado por romantizar o campo de batalha numa guerra. Discordo parcialmente dessas ponderações, pois a história de Desmond Doss, embora com cara de um belo trabalho de ficção é fidedigna, sendo ele, o soldado na vida real, responsável por salvar mais de 70 outros soldados e o primeiro pacifista a ganhar a Medalha de Honra do governo dos EUA, maior condecoração militar do país. No entanto, a atmosfera envolvente da aura de bom moço de Desmond, dada graças ao modo gentil, calmo e risonho de Garfield realmente contribui para que os horrores da guerra sejam minimizados nas cenas que Desmond ajuda seus amigos. Por fim, este detalhe não apaga todos os méritos deste que, para mim, é um dos melhores filmes do ano e, sem dúvida, da temática bélica.

 

La La Land – Cantando Estações (2016 e o seu musical)

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Sim, eu tenho um preconceito. Na verdade, mais de um, infelizmente. Mas para esse texto importa dizer que meu preconceito é com musicais. Embora consiga ver qualidade em alguns (mas não muitos), a clássica fórmula de sair de um diálogo comum e virar um número musical com vários personagens cantando o que poderiam dizer de uma maneira mais natural me incomoda um tanto. Dito isso, fui assistir La La Land – Cantando Estações (2016), o musical que tem conquistado plateias e críticos ao redor do mundo. Se isso não bastasse, é o favorito ao prêmio de melhor filme do Oscar desse ano.

O filme do jovem e extremamente habilidoso diretor Damien Chazelle é uma história de amor entre as protagonistas, interpretadas por Emma Stone e Ryan Gosling, sob o luar, luzes e show business de Los Angeles (e Hollywood, o que na verdade é a mesma coisa). Para quem conhece a cidade, Chazelle oferece uma interpretação por horas verossímil do trânsito e indústria do entretenimento e em outras momentos uma abordagem otimista da “Terra dos Sonhos” norte-americana, onde jovens do mundo inteiro levam suas utopias de se tornarem grandes astros do cinema, televisão e música. Exatamente nesse contexto está centrada a trama de Stone e Gosling, aspirantes ao estrelato, ela a atriz e ele como músico. Após à “faísca” romântica de um primeiro encontro o amor e o relacionamento deles se desenvolve enquanto as carreiras profissionais parecem não andar no mesmo ritmo.

Assim, com inserções de músicas em um ritmo/intervalo não tão irritante (sim, temos diálogos entre elas!) a atmosfera de LA (Los Angeles) favorece uma história sobre o encantamento que um lugar ou uma pessoa amada pode dar. Um dos grandes acertos da trama é a escalação de uma dupla/par romântico que funciona muito bem e até já os vimos em outros filmes. A combinação Gosling + Emma Stone é a versão da década do que um dia já foi Leonardo Di Caprio e Kate Winslet, Humprey Bogart e Ingrid Bergman, para citar apenas alguns. E, em La La  Land quem mais brilha é Emma Stone, sob um aparato de produção excelente (jogos de luzes, maguiagem e design dos sets de produção) somada a atuação em si, deixa-a mais madura e menos infantil que acostumados fomos pelos seus “big eyes”. Mas aí também reside a prova do belo trabalho de uma equipe de produção (centenas de pessoas), pois a mesma Emma até recentemente vivia de atuações medianas ou ruins, a lembrar do deplorável Aloha, de Cameron Crowe.

Se fosse para resumir o review num daqueles parágrafos que estampam capas de filmes é notório dizer que o hype dele e seu favoritismo a prêmios é pela combinação de ser uma boa obra de um gênero arriscado e menos comum nos dias atuais somado ao fato de reviver a magia de uma Hollywood/Los Angeles melhor e mais feliz do que é. O filme peca na minha opinião, como obra cinematográfica, ao apresentar um primeiro ato (a estação “Inverno”) bagunçada e desorganizada, empurrando às pressas os protagonistas ao seu inevitável encontro e início de romance para aí sim, com mais habilidade poder desenvolvê-lo. A partir de então as sucessões de acontecimentos são previsíveis mas o charme dos elementos (música, locações, atuações, direção) permite esquecer do resto mundo nos minutos restantes. Mas, entre um roteiro com algumas falhas e toda a previsibilidade citada, nota 10 mesmo é a música principal do filme, City of Stars (vídeo abaixo).

The Fits (2016) – Review do Filme Independente do Ano

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Um peculiar prazer meu ao assistir um filme é não saber nada a respeito dele, nem sua trama, nem seus atores ou diretor (mui menos o histórico cinematográfico dele). Se o cast, ainda por cima, se revelar inteiramente desconhecido ele ganha pontos (vários) extras comigo. Dito isso, assim foi The Fits (ainda sem título nacional) comigo. Em apenas 72 minutos aí vai meu conselho: se você, além de gostar de filmes, de se envolver com o enredo, é um cinéfilo observador dos movimentos de câmera, enquadramentos e fotografia este é definitivamente o filme da “safra” 2016!

No seu primeiro trabalho de direção num longa metragem, Anna Rose Holmer cria um micro cosmos de uma obra que se passa quase que inteiramente num centro comunitário esportivo de alguma cidade norte-americana, frequentado por crianças e adolescentes que lá estão para praticarem esportes e dança. Deste modo, você não sabe muita coisa das personagens e o filme não dá a mínima para explicar isso. A história de cada um, sua família, como vivem, se vão à escola e por aí em diante passam longe do filme (embora dê algumas sutis pistas durante a película). Admito que até certa altura dele isso me incomodou, mas aí você percebe a intencionalidade disto, de mostrar que o que importa está na tela e, da forma que é feito, é sublime e fantástico.

Permeado por uma trama de amadurecimento da personagem principal, uma menina que inicialmente treina boxe com os homens e migra para o time de dança feminino, temos um belo resultado técnico (repito, para mim, a melhor fotografia e um dos melhores designs de produção do ano – nota não tão relevante: obviamente por ser altamente independente e fora de circuito comercial passou longe das indicações ao Oscar, anunciadas hoje). Além da técnica também estão lá dramas que surgem, ou melhor, se intensificam na adolescência, tais como a competitividade (até nas tragédias do filme há competição), exibicionismo e descobertas de gostos e preferências.

Em poucas palavras, se você for um apreciador de filmes que fogem do circuito “cinema-pipoca” The Fits é a versão de 2016 do filme independente que sabe contar uma história aparentemente simples sob as nuances de uma atmosfera única, claustrofóbica e sedutora.

Aquarius (2016)

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Aquarius (2016) é o segundo filme do anteriormente crítico de cinema e jornalista Kleber Mendonça Filho e, depois da grande obra O Som Ao Redor (2012) é inevitável não olhar os trabalhos do pernambucano com maior atenção.

Deixando de lado todo o viés político que o filme tomou no contexto do “impeachment” de Dilma Rousseff e a retaliação da não indicação ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro, o filme surpreende ao ser menos virtuoso que O Som Ao Redor no engajamento de sua temática. No Som Ao Redor, através de impecável roteiro, design de produção, rimas fotográficas e efeitos sonoros o espectador é tomado para dentro da história, percebendo a verossimilhança do cotidiano de Recife com qualquer outra cidade do país, culminando com uma única e bela sensação de se sentir parte da rua/condomínio onde o filme tem sua história. Já em Aquarius, a história não é tão abrangente. Ao voltar-se a uma realidade mais específica (da especulação imobiliária) como mote da história, o filme perde considerável força do engajamento, mesmo que isso não seja um pré-requisito para um bom filme.

Mesmo assim, o modo simples e exemplar de retratar Recife e as personagens (destaque para as imagens do post), mostrando suas desigualdades sem sentimentalismo ainda está presente na direção de KMF e o roteiro escrito com simplicidade e, por vezes, na pressa é melhorado magnificamente por Sonia Braga, protagonista e grande acerto do filme. Mesclando uma dicção calma com uma postura firme, as suas falas são ditas numa naturalidade invejável, digna de um diálogo real muito longe de quaisquer câmeras. Uma das grandes atuações do ano em um bom filme que valoriza o cinema nacional.

O.J. Simpson – Made in America

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Dependendo da sua idade a simples citação do nome de O.J. Simpson pode trazer uma série de lembranças de manchetes de TV e jornais brasileiros e internacionais. Através dessa hipótese, O.J. – Made in America (2016), uma série documental da ESPN aborda em 5 episódios, totalizando 8 horas, a famigerada história norte americana do século XX: da ascensão ao declínio de uma das celebridades mais famosas no século passado, o jogador/superstar do futebol americano que foi comentarista de esportes, ator de Hollywood e empresário, O.J. Simpson.

Mesmo idealizada como uma série, a produção da ESPN vem figurando na maior parte das listas de melhores filmes do ano e é uma das favoritas a ganhar o Oscar de Melhor Documentário e, então inevitavelmente, questiona-se por que outras produções da ESPN (que seguem o mesmo formato) nunca foram reconhecidas de tal forma. No entanto, O.J. – Made in America é muito menos sobre O.J. que uma tradicional aventura biográfica pode sugerir e muito mais sobre o Made in America, particularmente sobre os Estados Unidos das décadas de 50 a 90.

Já no segundo episódio percebemos que a grande duração da obra será usada em prol de narrar o contexto social do país e de Los Angeles, das minorias e dos direitos civis. Assim, a personalidade de Orenthal James (ou, simplesmente, O.J.) é brilhantemente estudada frente a sua época e suas convicções políticas se tornam ainda mais assustadoras: O.J., mesmo negro, se omite de qualquer discussão sobre raça e sua fama e popularidade são em benefício próprio, para ganhar dinheiro e mais fama (seu principal combustível em toda a vida) desvinculando-se de lideranças dos direitos civis da época como Martin Luther King ou Muhammad Ali.

O carisma de O.J. persiste inabalável entre toda a população até 1994, quando sua ex esposa é assassinada e tudo indica que pelas mãos (literalmente) de O.J. Nasce daí a reta final da produção e um dos julgamentos em tribunais mais famosos da história. Num grande circo que durou cerca de 9 meses conhecemos uma vertente mais sórdida da justiça norte-americana, a da manipulação, do julgamento pela emoção e do preconceito (o julgamento em si é um estudo de caso melhor que qualquer série de ficção estilo Law and Order, por exemplo, pode roteirizar).

Neste momento toda a construção dos conflitos e tensões sociais e raciais apresentados funcionam como um recurso de pista-recompensa, isto é, a defesa dos advogados de O.J. se baseia numa hipotética perseguição racial dos brancos ao acusado e vai contextualizando, formando argumentação com a utilização todos exemplos anteriormente apresentados no documentário. É este o primeiro dos dois trunfos da série: todas as peças do quebra-cabeças são unidas para contar porque O.J. é uma personificação de um problema maior – séculos de violência e discriminação contra negros causaram danos a sociedade e o preconceito ainda está bem vivo. O.J., um ex astro e agora assassino, mesmo assim é idolatrado pelos negros pois representa uma oportunidade de “se vingar” dos brancos ao ser absolvido mesmo que injustamente. Além disso, ironicamente, são os negros (afinal, a maioria do júri é negra) que salvam O.J. da prisão, mesmo que ele sempre tenha negado a sua raça.

O segundo ponto principal da série é reforçar a importância que ser rico e famoso teve no desdobramento do julgamento de O.J. Em diversos momentos da série questiona-se se alguém de classe média ou não reconhecido publicamente conseguiria ser absolvido mesmo com todas as provas (DNA, inclusive) dizendo o oposto? A resposta é unânime: certamente não. Iria ser condenado.

Uma análise final nos leva a perceber que esses comportamentos em relação a exposição de pessoas na mídia e do preconceito racial nos dias atuais, não só persiste como se intensificou, por um lado pela oferta de anonimato fácil de grande alcance nas redes sociais e por outro pela degeneração econômica de muitas regiões (tanto dos EUA como do Brasil, para citar) que levou o mundo neste 2016 ao início de uma grande onda conservadora de Donald Trump’s espalhados por aí.

Por isso, O.J. – Made in America é um acerto no timming de sua realização neste fatídico ano de 2016 e, em última e definitiva análise, uma eloquente história de um país dividido pela cor da pele, mas unido pelo culto às celebridades.