Categoria: Filmes

Até o Último Homem (Hacksaw Ridge, 2016)

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Princípios básicos para uma crítica sobre Até o Último Homem: a análise é sobre o filme, em seus 139 minutos e nunca diretamente sobre as declarações, polêmicas e personalidade de Mel Gibson, seu diretor. Parece óbvio, mas até mesmo grandes veículos de comunicação fazem questão de falar de tudo menos sobre cinema.

Dito isso, Até o Último Homem (Hacksaw Ridge) é uma das melhores coisas nessa chamada “Corrida do Ouro”, expressão em referência aos prêmios da temporada (Oscar, PGA, DGA, associações de críticos, entre outras). O drama protagonizado por Andrew Garfield em, enfim, uma grande atuação desde A Rede Social, é bem dividido em 3 atos principais: a infância e adolescência do jovem Desmond Doss na Virginia da década de 30, o alistamento militar e o treinamento de guerra em solo norte-americano, e as batalhas da Segunda Guerra Mundial no Japão, mais especificamente na Serra de Hacksaw, que dá título ao filme. Esta estrutura muito bem montada e ritmada por Gibson e seus montadores me lembrou, com grande alegria, de Nascido para Matar (Full Metal Jacket) o clássico de guerra de Kubrik.

O mote do filme, que une suas 3 partes é a convicção pacifista de Desmond Doss, que recusa praticar a violência. Então, já no primeiro ato do filme descobrimos as motivações para esse comportamento moral do personagem vivido por Garfield. Mas, além disso, merece  destaque o romance do protagonista com a personagem de Teresa Palmer, que em poucos minutos de diálogos traz encantamento maior que a trama romântica inteira de La La Land – Cantando Estações.

O grande conflito do filme começa com a recusa de Desmond em portar/manusear qualquer arma em frente a todo batalhão de infantaria. O ambiente fortemente hierárquico do Exército e extremamente nervoso após o ataque a Pearl Harbor pressiona e pune Desmond a ponto de quase o fazer desistir da sua vontade de ir à guerra para ajudar, nunca para matar. Nesse arco dramático vemos dois atores de carreiras completamente distintas com atuações muito boas: Vince Vaughn aproveitando sua habilidade em comédia para interpretar o sargento responsável pela turma de recrutas e o retorno de Hugo Weaving a um papel de destaque.

Vencidas as barreiras de crenças e fé, somos transportados ao Japão e é seguro afirmar que já nos primeiros momentos de batalha temos as melhores cenas de guerra desde O Resgate do Soldado Ryan. As tomadas são ágeis, a edição de som e mixagem são impecáveis e Mel Gibson não tem receio em mostrar cenas mais sórdidas que uma guerra causa sobre as almas, vidas e corpos (em geral, dilacerados). Assim, o filme que começa calmo sob a tranquilidade de um dia de verão na Virginia vai crescendo em ambição com uma força carismática de Andrew Garfield e firmeza na direção de Mel Gibson até seus momentos finais, o êxtase da destruição, sombria e nefasta, mas real.

Até o Último Homem é apontado por muitos como uma obra de demagogia e acusado por romantizar o campo de batalha numa guerra. Discordo parcialmente dessas ponderações, pois a história de Desmond Doss, embora com cara de um belo trabalho de ficção é fidedigna, sendo ele, o soldado na vida real, responsável por salvar mais de 70 outros soldados e o primeiro pacifista a ganhar a Medalha de Honra do governo dos EUA, maior condecoração militar do país. No entanto, a atmosfera envolvente da aura de bom moço de Desmond, dada graças ao modo gentil, calmo e risonho de Garfield realmente contribui para que os horrores da guerra sejam minimizados nas cenas que Desmond ajuda seus amigos. Por fim, este detalhe não apaga todos os méritos deste que, para mim, é um dos melhores filmes do ano e, sem dúvida, da temática bélica.

 

La La Land – Cantando Estações (2016 e o seu musical)

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Sim, eu tenho um preconceito. Na verdade, mais de um, infelizmente. Mas para esse texto importa dizer que meu preconceito é com musicais. Embora consiga ver qualidade em alguns (mas não muitos), a clássica fórmula de sair de um diálogo comum e virar um número musical com vários personagens cantando o que poderiam dizer de uma maneira mais natural me incomoda um tanto. Dito isso, fui assistir La La Land – Cantando Estações (2016), o musical que tem conquistado plateias e críticos ao redor do mundo. Se isso não bastasse, é o favorito ao prêmio de melhor filme do Oscar desse ano.

O filme do jovem e extremamente habilidoso diretor Damien Chazelle é uma história de amor entre as protagonistas, interpretadas por Emma Stone e Ryan Gosling, sob o luar, luzes e show business de Los Angeles (e Hollywood, o que na verdade é a mesma coisa). Para quem conhece a cidade, Chazelle oferece uma interpretação por horas verossímil do trânsito e indústria do entretenimento e em outras momentos uma abordagem otimista da “Terra dos Sonhos” norte-americana, onde jovens do mundo inteiro levam suas utopias de se tornarem grandes astros do cinema, televisão e música. Exatamente nesse contexto está centrada a trama de Stone e Gosling, aspirantes ao estrelato, ela a atriz e ele como músico. Após à “faísca” romântica de um primeiro encontro o amor e o relacionamento deles se desenvolve enquanto as carreiras profissionais parecem não andar no mesmo ritmo.

Assim, com inserções de músicas em um ritmo/intervalo não tão irritante (sim, temos diálogos entre elas!) a atmosfera de LA (Los Angeles) favorece uma história sobre o encantamento que um lugar ou uma pessoa amada pode dar. Um dos grandes acertos da trama é a escalação de uma dupla/par romântico que funciona muito bem e até já os vimos em outros filmes. A combinação Gosling + Emma Stone é a versão da década do que um dia já foi Leonardo Di Caprio e Kate Winslet, Humprey Bogart e Ingrid Bergman, para citar apenas alguns. E, em La La  Land quem mais brilha é Emma Stone, sob um aparato de produção excelente (jogos de luzes, maguiagem e design dos sets de produção) somada a atuação em si, deixa-a mais madura e menos infantil que acostumados fomos pelos seus “big eyes”. Mas aí também reside a prova do belo trabalho de uma equipe de produção (centenas de pessoas), pois a mesma Emma até recentemente vivia de atuações medianas ou ruins, a lembrar do deplorável Aloha, de Cameron Crowe.

Se fosse para resumir o review num daqueles parágrafos que estampam capas de filmes é notório dizer que o hype dele e seu favoritismo a prêmios é pela combinação de ser uma boa obra de um gênero arriscado e menos comum nos dias atuais somado ao fato de reviver a magia de uma Hollywood/Los Angeles melhor e mais feliz do que é. O filme peca na minha opinião, como obra cinematográfica, ao apresentar um primeiro ato (a estação “Inverno”) bagunçada e desorganizada, empurrando às pressas os protagonistas ao seu inevitável encontro e início de romance para aí sim, com mais habilidade poder desenvolvê-lo. A partir de então as sucessões de acontecimentos são previsíveis mas o charme dos elementos (música, locações, atuações, direção) permite esquecer do resto mundo nos minutos restantes. Mas, entre um roteiro com algumas falhas e toda a previsibilidade citada, nota 10 mesmo é a música principal do filme, City of Stars (vídeo abaixo).

The Fits (2016) – Review do Filme Independente do Ano

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Um peculiar prazer meu ao assistir um filme é não saber nada a respeito dele, nem sua trama, nem seus atores ou diretor (mui menos o histórico cinematográfico dele). Se o cast, ainda por cima, se revelar inteiramente desconhecido ele ganha pontos (vários) extras comigo. Dito isso, assim foi The Fits (ainda sem título nacional) comigo. Em apenas 72 minutos aí vai meu conselho: se você, além de gostar de filmes, de se envolver com o enredo, é um cinéfilo observador dos movimentos de câmera, enquadramentos e fotografia este é definitivamente o filme da “safra” 2016!

No seu primeiro trabalho de direção num longa metragem, Anna Rose Holmer cria um micro cosmos de uma obra que se passa quase que inteiramente num centro comunitário esportivo de alguma cidade norte-americana, frequentado por crianças e adolescentes que lá estão para praticarem esportes e dança. Deste modo, você não sabe muita coisa das personagens e o filme não dá a mínima para explicar isso. A história de cada um, sua família, como vivem, se vão à escola e por aí em diante passam longe do filme (embora dê algumas sutis pistas durante a película). Admito que até certa altura dele isso me incomodou, mas aí você percebe a intencionalidade disto, de mostrar que o que importa está na tela e, da forma que é feito, é sublime e fantástico.

Permeado por uma trama de amadurecimento da personagem principal, uma menina que inicialmente treina boxe com os homens e migra para o time de dança feminino, temos um belo resultado técnico (repito, para mim, a melhor fotografia e um dos melhores designs de produção do ano – nota não tão relevante: obviamente por ser altamente independente e fora de circuito comercial passou longe das indicações ao Oscar, anunciadas hoje). Além da técnica também estão lá dramas que surgem, ou melhor, se intensificam na adolescência, tais como a competitividade (até nas tragédias do filme há competição), exibicionismo e descobertas de gostos e preferências.

Em poucas palavras, se você for um apreciador de filmes que fogem do circuito “cinema-pipoca” The Fits é a versão de 2016 do filme independente que sabe contar uma história aparentemente simples sob as nuances de uma atmosfera única, claustrofóbica e sedutora.

Aquarius (2016)

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Aquarius (2016) é o segundo filme do anteriormente crítico de cinema e jornalista Kleber Mendonça Filho e, depois da grande obra O Som Ao Redor (2012) é inevitável não olhar os trabalhos do pernambucano com maior atenção.

Deixando de lado todo o viés político que o filme tomou no contexto do “impeachment” de Dilma Rousseff e a retaliação da não indicação ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro, o filme surpreende ao ser menos virtuoso que O Som Ao Redor no engajamento de sua temática. No Som Ao Redor, através de impecável roteiro, design de produção, rimas fotográficas e efeitos sonoros o espectador é tomado para dentro da história, percebendo a verossimilhança do cotidiano de Recife com qualquer outra cidade do país, culminando com uma única e bela sensação de se sentir parte da rua/condomínio onde o filme tem sua história. Já em Aquarius, a história não é tão abrangente. Ao voltar-se a uma realidade mais específica (da especulação imobiliária) como mote da história, o filme perde considerável força do engajamento, mesmo que isso não seja um pré-requisito para um bom filme.

Mesmo assim, o modo simples e exemplar de retratar Recife e as personagens (destaque para as imagens do post), mostrando suas desigualdades sem sentimentalismo ainda está presente na direção de KMF e o roteiro escrito com simplicidade e, por vezes, na pressa é melhorado magnificamente por Sonia Braga, protagonista e grande acerto do filme. Mesclando uma dicção calma com uma postura firme, as suas falas são ditas numa naturalidade invejável, digna de um diálogo real muito longe de quaisquer câmeras. Uma das grandes atuações do ano em um bom filme que valoriza o cinema nacional.

O.J. Simpson – Made in America

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Dependendo da sua idade a simples citação do nome de O.J. Simpson pode trazer uma série de lembranças de manchetes de TV e jornais brasileiros e internacionais. Através dessa hipótese, O.J. – Made in America (2016), uma série documental da ESPN aborda em 5 episódios, totalizando 8 horas, a famigerada história norte americana do século XX: da ascensão ao declínio de uma das celebridades mais famosas no século passado, o jogador/superstar do futebol americano que foi comentarista de esportes, ator de Hollywood e empresário, O.J. Simpson.

Mesmo idealizada como uma série, a produção da ESPN vem figurando na maior parte das listas de melhores filmes do ano e é uma das favoritas a ganhar o Oscar de Melhor Documentário e, então inevitavelmente, questiona-se por que outras produções da ESPN (que seguem o mesmo formato) nunca foram reconhecidas de tal forma. No entanto, O.J. – Made in America é muito menos sobre O.J. que uma tradicional aventura biográfica pode sugerir e muito mais sobre o Made in America, particularmente sobre os Estados Unidos das décadas de 50 a 90.

Já no segundo episódio percebemos que a grande duração da obra será usada em prol de narrar o contexto social do país e de Los Angeles, das minorias e dos direitos civis. Assim, a personalidade de Orenthal James (ou, simplesmente, O.J.) é brilhantemente estudada frente a sua época e suas convicções políticas se tornam ainda mais assustadoras: O.J., mesmo negro, se omite de qualquer discussão sobre raça e sua fama e popularidade são em benefício próprio, para ganhar dinheiro e mais fama (seu principal combustível em toda a vida) desvinculando-se de lideranças dos direitos civis da época como Martin Luther King ou Muhammad Ali.

O carisma de O.J. persiste inabalável entre toda a população até 1994, quando sua ex esposa é assassinada e tudo indica que pelas mãos (literalmente) de O.J. Nasce daí a reta final da produção e um dos julgamentos em tribunais mais famosos da história. Num grande circo que durou cerca de 9 meses conhecemos uma vertente mais sórdida da justiça norte-americana, a da manipulação, do julgamento pela emoção e do preconceito (o julgamento em si é um estudo de caso melhor que qualquer série de ficção estilo Law and Order, por exemplo, pode roteirizar).

Neste momento toda a construção dos conflitos e tensões sociais e raciais apresentados funcionam como um recurso de pista-recompensa, isto é, a defesa dos advogados de O.J. se baseia numa hipotética perseguição racial dos brancos ao acusado e vai contextualizando, formando argumentação com a utilização todos exemplos anteriormente apresentados no documentário. É este o primeiro dos dois trunfos da série: todas as peças do quebra-cabeças são unidas para contar porque O.J. é uma personificação de um problema maior – séculos de violência e discriminação contra negros causaram danos a sociedade e o preconceito ainda está bem vivo. O.J., um ex astro e agora assassino, mesmo assim é idolatrado pelos negros pois representa uma oportunidade de “se vingar” dos brancos ao ser absolvido mesmo que injustamente. Além disso, ironicamente, são os negros (afinal, a maioria do júri é negra) que salvam O.J. da prisão, mesmo que ele sempre tenha negado a sua raça.

O segundo ponto principal da série é reforçar a importância que ser rico e famoso teve no desdobramento do julgamento de O.J. Em diversos momentos da série questiona-se se alguém de classe média ou não reconhecido publicamente conseguiria ser absolvido mesmo com todas as provas (DNA, inclusive) dizendo o oposto? A resposta é unânime: certamente não. Iria ser condenado.

Uma análise final nos leva a perceber que esses comportamentos em relação a exposição de pessoas na mídia e do preconceito racial nos dias atuais, não só persiste como se intensificou, por um lado pela oferta de anonimato fácil de grande alcance nas redes sociais e por outro pela degeneração econômica de muitas regiões (tanto dos EUA como do Brasil, para citar) que levou o mundo neste 2016 ao início de uma grande onda conservadora de Donald Trump’s espalhados por aí.

Por isso, O.J. – Made in America é um acerto no timming de sua realização neste fatídico ano de 2016 e, em última e definitiva análise, uma eloquente história de um país dividido pela cor da pele, mas unido pelo culto às celebridades.

Àquele que nos fez rir: Adeus a um gênio

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Um gênio da atuação morreu hoje.

Gene Wilder morreu hoje.

Escrevo esse post com a sensação que deveria ter vindo antes, não apenas em homenagem póstuma ao grande ator norte-americano. A carreira de Wilder foi de grandes (sempre memoráveis) atuações. E, se hoje, ele é lembrado muito mais pelo seu Willy Wonka da Fantástica Fábrica de Chocolates (1971) é dever dos apreciadores do cinema conhecer mais da sua filmografia.

No entanto, é sobre o Wonka de Wilder que escrevo. Uma das grandes comédias da história é também uma das memórias afetivas mais preciosas da minha infância. Todos temos filmes que marcam nosso primeiro contato com a arte cinematográfica e suas raízes são carregadas para toda a vida. Assim é a atuação de Wilder: o diretor Mel Stuart cria um clima tão fascinante no primeiro ato do filme que qualquer um tem desejo de obter um bilhete dourado. E retratando as intempéries que a população mundial levou para buscar e conseguir os cupons, além da simplicidade e pureza do garoto Charlie, quando chega o derradeiro momento da abertura dos portões da fábrica este clímax da importância das indústrias Wonka (e, certamente do seu fundador) para o mundo é o momento perfeito para o grande astro Gene Wilder aparecer. Eis que surge um Willy Wonka cansado, mancando e de expressão sofrida e aí, bom….O resto é história e 9 entre 10 pessoas conhecem.

Desde então, o magnetismo do ator nos conduz àquela fascinante jornada que entre alegorias e rios de chocolate aborda temas adultos como a honestidade e a arrogância.

A cena, das mais belas, que descrevi acima, você vê no vídeo abaixo 😉

Os melhores filmes de 2015 – A lista

Em por _ricardoem Filmes, ListasDeixe um comentário

Como o Oscar ocorre no domingo próximo, encerro aqui o ano de 2015 – e não no dezembro passado, como 99% das pessoas, pois muitos filmes de 2015 só chegaram ao Brasil nestes primeiros meses do ano – neste “balanço” cinematográfico.

Se premiações de cinema fossem o espelho para classificar os melhores e não apenas a opinião de um grupo de “formadores de opinião”, eu começaria a me preocupar com o ano de 2015 e com minhas preferências cinematográficas. Dos últimos anos, certamente 2015 foi o ano em que minha lista de melhores destoou mais aos indicados de Oscar, Globos de Ouro e afins.

Dito isso, inegável que as temáticas que trazem as minorias raciais/de gênero/de sexo ao protagonismo foram um dos pontos recorrentes em grande parte da minha lista de melhores (a citar o protagonismo feminino em Mad Max, Acima das Nuvens, Cinco Graças; o protagonismo dos negros em Straight Outta Compton ou Creed e a diversidade sexual em Tangerine, por exemplo).

O segundo e vital ponto da minha lista é a consolidação da importância das animações como obras de alto teor filosófico e contemplativo. O topo da minha lista possui dois exemplares de filosofia da maior qualidade em forma de animação.

Para fechar o breve resumo do ano, é espantoso como tivemos muitas atuações geniais em papeis coadjuvantes (em especial para os atores que, em minha opinião, tem a categoria das premiações disputada em melhor nível), ao contrário e atuações principais que foram mais escassas de genialidade.

Antes da lista, propriamente dita, se eu fosse um dos votantes em premiações nesse ano, meus votos seriam assim:

  • Melhor filme: Divertidamente
  • Pior Filme do Ano: Sob o mesmo céu (Aloha)
  • Melhor diretor: George Miller (Mad Max)
  • Melhor roteiro: Creed – Nascido para Lutar
  • Melhor ator: Leonardo DiCaprio em O Regresso
  • Melhor atriz: Rooney Mara em Carol
  • Melhor ator coadjuvante: Idris Elba em Beasts of No Nation
  • Melhor atriz coadjuvante: Alicia Vikander em A Garota Dinamarquesa
  • Melhor fotografia: O Regresso
  • Melhor animação:  Divertidamente
  • Filmes Mais Superestimados: Sicario, Ex-Machina

A maior prova de um ano com qualidade inegável foi agrupar todos os meus favoritos em uma lista. Portanto, tomei a liberdade de elencar o meus 20 melhores na lista abaixo

20 – Tomorrowland – Um Lugar onde nada é impossível (Tomorrowland), de Brad Bird

19 – Homem Formiga (Ant Man), de Peyton Reed

18 – O Quarto de Jack (Room), de Lenny Abrahamson

17 – Spotlight: Segredos Revelados (Spotlight), de Tom McCarthy

16 – Os Oito Odiados (The Hateful Eight), de Quentin Tarantino

15 – Anomalisa (Anomalisa), de Charlie Kaufman

14 – Cartel Land, de Matthew Heineman

13 – Creed: Nascido para Lutar (Creed), de Ryan Coogler

12 – Star Wars: O despertar da Força (Star Wars: The Force Awakens), de JJ Abrams

11 – Tangerine, de Sean Baker

10 – O Menino e o Mundo, de Alê Abreu

9 – Cinco Graças (Mustang), de Deniz Gamze Ergüven

8 – Que Horas Ela Volta, de Ana Muylaert

7 – Straight Outta Compton – A história do N.W.A. (Straight Outta Compton), de F. Gary Grey

6 – Acima das Nuvens (Clouds of Sils Maria), de Olivier Assayas

O Top5:

 

4 – Pequeno Quinquin
3 – Cobain: Montage of a heck
2 – Worl of Tomorrow
1 – Divertidamente

5 – Mad Max: Estrada da Fúria (Mad Max: Fury Road), de George Miller

4 – O pequeno Quinquin (Li’l Quinquin), de Bruno Dumont

3 – Cobain: Montage of a Heck, de Brett Morgan

2 – World of Tomorrow, de Don Hertzfeldt

1 – Divertidamente (Inside Out), de Pete Docter

P’tit Quinquin (2014)

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O filme (ou minesérie de 4 episódios, como preferirem) circulou nas listas dos melhores de 2014 em todos os cantos do mundo. A obra de Bruno Dumont traz uma realidade de uma zona rural contemporânea francesa: extremamente bucólica mas altamente absorvida em problemas xenofóbicos e crimes passionais.

Nesse contexto, sob a visão de um comandante de Polícia que chega para solucionar um misterioso assassinato (uma pessoa esquartejada encontrada dentro de uma vaca) conhecemos os principais habitantes do vilarejo e a todos é comum uma característica: são avessos a grandes explicações, cruciais para qualquer investigação policial. Assim, um caso difícil se torna impossível de ser resolvido.

Mas esta é só uma trama para unir os núcleos: os grandes momentos do filme estão nas pequenas situações cotidianas: da guria (10 ou 11 anos) pergunto ao namoradinho da mesma idade se “eu te satisfaço?” ou a dupla de padres transformando uma missa numa situação cômica e constrangedora.

Minha implicação, a única, está na caracterização extrema que o comandante da Polícia assume em alguns momentos, chegando a parecer uma situação onde o Inspetor Clauseou (Pantera Cor de Rosa) encontraria o Sargento Garcia (Zorro).

 

Nota: 5/5

A Conversação (1974)

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Se há 10 anos vivíamos a situação de não conseguir ver o filme desejado pelo fato dele já ter sido retirado na locadora de fitas VHS ou DVDs e assim, vinham outros lançamentos e a gente esquecia daquele filme. Até que um dia lá estava ele, disponível na prateleira da locadora, e mesma sem aquela vontade de outrora você decide ver o filme e percebe que é um dos melhores filmes que você viu num longo período.

Hoje, na era digital, dos downloads (legais ou piratas) essa situação ainda ocorre, mas não mais pela falta disponibilidade e sim pela grande quantidade de filmes disponíveis! Assim foi com A Conversação, filme do diretor Francis Ford Coppola (de Poderoso Chefão e Apocalipse Now), que por muitas vezes negligenciei no catálogo do Netflix e, somente nesta semana, descobri com fascínio a obra-prima que é.

O filme capta a época da inserção da tecnologia nos serviços de vigilância e escuta e traz no seu protagonista (Gene Hackman, impecável) um profissional atormentado por gravar conversa de um casal que indica que vai ocorrer um assassinato. Com uma excelente fotografia de uma San Francisco no seu auge na década de 70, Coppola sutilmente vai inserindo na trama todas as implicações que a conversa gravada podem despertar, finalizando num grande clímax, revelador e surpreendente.

E você, possui uma história semelhante, de um filme que assistiu por acaso e se revelou excelente?

Nota: 5/5

Divertidamente: somos o que QUEREMOS ser

Em por _ricardoem Filmes1 comentário

 

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Uma das maiores vantagens do ser humano para qualquer outra criatura (máquina ou animal) é a capacidade de analisar porque agimos do jeito que agimos e, mais do que isso, dar “um passo para fora” da ação e entender, analisar e criticar as emoções e motivações daquele instante. Mesmo que muitas vezes não exercitamos esse “dom”, é fantástico ser capaz de constantemente nos analisarmos, tudo isso com a vida acontecendo, sem modo stand by.

Esta conclusão poderosa que a filosofia a séculos estuda e a psicologia explora são os pontos fundamentais para considerar a nova animação da Pixar, Divertidamente (Inside Out, 2015), não só um dos melhores filmes do ano, mas uma obra-prima, especialmente sob a visão ideológica.

Depois de investidas sem muito brilho nos últimos anos (Brave, Carros 2, Monstros SA 2), a Pixar se reencontra com a genialidade vista na saga Toy Story, Wall-E e Ratatouille, entregando um resultado em Divertidamente que agrada crianças como uma animação  olha o trocadilho divertida e dá uma aula de psicologia aos adultos.

No filme, Alegria, Tristeza, Medo, Nojinho e Raiva são os protagonistas (além de sentimentos) e nos lembram a necessidade e importância da pluralidade de sentimentos, a origem deles através lembranças e o poder delas para governar o futuro de cada um. O filme termina e, se você se entregou a história, o custo de ingresso no cinema acaba de economizar algumas horas de psicanálise e, quem sabe, faça você enxergar suas (e nossas) ações de modo mais crítico ou diferente.